II nostro incontro con Enzo Moscato risale a tre anni fa, quando Toni Servillo gli propose di scrivere un testo ispirato al soggiorno napoletano di Giacomo Leopardi: nel lavoro che nacque, l’atto unico lirico Partitura, emersero due temi che sarebbero stati molto importanti per noi.
Il primo era lo scontro tra la citta-tribù vagheggiata da Pasolini e quella traumatizzata dei nostri anni, rappresentato da Moscato con un’opera di infaticabile contaminazione del dialetto. La citta-tribù che un poeta può ancora evocare attraverso canti e racconti non c’è più, infatti, a Napoli, o piuttosto vi sopravvive in chiazze sempre più esigue, come le tracce di un affresco corroso dal tempo e dall’umidità. Ma questa città è un luogo immaginario che sopravvive dentro i napoletani (da molti di loro è temuto); è un luogo dell’anima riluttante ai falsi valori della modernità e indifferente alla sua seduzione. Oggi noi eleggiamo questa città fantasma a nostra patria: un verso di Partitura dedicato alla città dice: “dulce et decorum est pro patria mori, e i pe te moro”. Per nessun’altra.
L’altro tema era la scrittura di Moscato, sciolta in Partitura da ogni briglia drammaturgica. Scomparsi trama, personaggi e dialoghi, vi risuonavano delle voci libere, rispondenti a un teatro che reclama la scrittura scenica e l’incarnazione in un corpo consapevole di attore.
Entrambi i temi nutrono questo nostro nuovo incontro con Enzo Moscato. Rasoi è una rapsodia composta di brevi brani inediti, meditazioni e frammenti. Esprime ancora una volta il nostro desiderio di lavorare insieme, uniti in questo caso a un attore-poeta che amiamo.

Mario Martone

I napoletani oggi sono una grande tribù che, anziché vivere nel deserto o nella savana, come i Tuareg o i Boja, vive nel ventre di una grande città di mare. Questa tribù ha deciso -in quanto tale, senza rispondere delle proprie possibili mutazioni coatte- di estinguersi, rifiutando il nuovo potere, ossia quella che chiamiamo la storia, o altrimenti, la modernità. La stessa cosa fanno nel deserto i Tuareg o nella savana i Boja (o fanno anche, da secoli, gli zingari): è un rifiuto, sorto nel cuore della collettività; una negazione fatale contro cui non c’è niente da fare. Essa dà una profonda malinconia, come tutte le tragedie che si compiono lentamente; ma anche una profonda consolazione, perché questo rifiuto, questa negazione alla storia è giusto, è sacrosanto.

Pier Paolo Pasolini

Rasoi
su testi di Enzo Moscato
regia di Mario Martone  e  Toni Servillo
  
interpreti
Gino Curcione
Iaia Forte
Isacco Esposito
Licia Maglietta
Marco Manchisi
Vincenza Modica
Enzo Moscato
Toni Servillo
Tonino Taiuti

scene Mario Martone
costumi Metella Raboni
luci Pasquale Mari
suono Daghi Rondanini
accompagnamento al piano Manuela La Manna, Marinella Anaclerio
allestimento scenico Nando Cirelli
aiuto regia Costanza Boccardi
sipario realizzato dal Laboratorio Scen-Art, Napoli
fotografo di scena Cesare Accetta
amministrazione Anna Tramontano
ufficio stampa Sergio Marra

una produzione Teatri Uniti a cura di  Angelo Curti

Sono un attore e quasi sempre anche il regista degli spettacoli in cui recito. Per questo motivo dopo aver lavorato intensamente su Moliére (Il misantropo, Tartufo) ora vedo naturale il passaggio a Eduardo: entrambi uniscono nei loro testi, nei loro copioni, parola e gesto in un risultato complessivo che non esclude la regia, ma la comprende.
Eduardo è l’autore italiano che con maggior efficacia, all’interno del suo meccanismo drammaturgico, favorisce l’incontro e non la separazione tra testo e messa in scena. Affrontare le sue opere significa insinuarsi in quell’equilibrio instabile tra scrittura e oralità che rende ambiguo e sempre sorprendente il suo teatro. Seguendo con umiltà il suo insegnamento cerco nel mio lavoro di non far mai prevalere il testo sull’interpretazione, l’interpretazione sul testo, la regia sul testo e sull’interpretazione. Il profondo spazio silenzioso che c’è fra il testo, gli interpreti ed il pubblico va riempito di senso sera per sera sul palcoscenico, replica dopo replica.
Ho scelto Sabato Domenica e Lunedì perché Eduardo qui si occupa di una grande famiglia napoletana dove convivono tre diverse generazioni in un momento storico cruciale: gli albori del boom economico che imponeva in Italia un nuovo e improvviso modello di sviluppo, determinando l’affacciarsi di nuovi desideri e nuove mode, capaci di creare da una parte euforia, dall’altra un senso di confusione e di disagio per tutti. Un rivolgimento sociale e culturale che ha profondamente segnato e tuttora influenza la storia, i destini, le idee ed i costumi del nostro paese.

Toni  Servillo

Sabato, Domenica e Lunedì
di Eduardo De Filippo
regia Toni Servillo

con
Anna Bonaiuto
Alessandra D’Elia
Toni Servillo
Roberto De Francesco
Enrico Ianniello
Gigio Morra
Monica Nappo
Betty Pedrazzi
Tony Laudadio
Marcello Romolo
Francesco Silvestri
Mariella Lo Sardo
Pierluigi Tortora
Salvatore Cantalupo
Ginestra Paladino
Antonello Cossia
Antonio Marfella

scene Toni Servillo, Daniele Spisa 
costumi Ortensia De Francesco
luci Pasquale Mari 
suono Daghi Rondanini 
aiuto regia Francesco Saponaro
direzione tecnica Lello Becchimanzi 
direzione di scena Teresa Cibelli

una produzione Teatri Uniti e Teatro Stabile dell’Umbira

L’amore ostacolato dall’interesse, dagli intrighi, soffocato dal denaro: è questo l’argomento più che mai attuale di questa bellissima commedia. Ma l’attualità evidentemente non è il solo motivo che mi ha spinto ad affrontarla, è la modernità del suo linguaggio ad avermi affascinato in modo irresistibile. Tutto è detto in maniera semplice, chiara, diretta, ma questa limpidità corrispondono spesso zone oscure, torbide, ambigue, che creano intoppo alla vicenda una atmosfera fatta di attese e di trepidazione.
Proprio quando i personaggi sembrano affidarsi con più disinvoltura alle parole, emerge ciò che non dicono o tentano di nascondere; alludono continuamente, e questo fa si che i silenzi, le interruzioni, le pause diventino più espressive di qualsiasi discorso. Alla commedia di parole se ne affianca una fatta di comportamenti, reazioni, volti, sguardi. L’adattamento del testo allora si è svolto proprio in questa direzione: porzioni di dialogo o brevi scene, li ho interpretati come fossero didascalie che mi aiutassero ad orientarmi nelle pieghe più silenziose del testo.
Naturalmente la verifica di tutto ciò sta nel lavoro con gli attori; e del resto Marivaux lo sapeva bene quando affidava i suoi testi ai comici italiani di stanza a Parigi: a loro chiedeva di risollecitarli partendo proprio dalle improvvisazioni in palcoscenico. Come sempre è li che si gioca la partita.

Toni Servillo

Le false confidenze
di Marivaux
traduzione Cesare Garboli

regia Toni Servillo

Araminte Anna Bonaiuto
Dorante Andrea Renzi
Signor Remy Mario Scarpetta
Signora Argante Annamaria Ackermann
Arlecchino Tony Laudadio
Dubois Toni Servillo
Marton Monica Nappo
il conte Francesco Silvestri
un garzone di bottega Enrico Ianniello

luci
Pasquale Mari
suono
Daghi Rondanini
costumi
Ortensia De Francesco
progetto scenotecnico
Daniele Spisa
aiuto regia
Costanza Boccardi
direzione tecnica
Lello Becchimanzi
direzione di scena
Teresa Cibelli
capo elettricista
Lucio Sabatino
macchinista costruttore
Edoardo Ridi
oggetti di scena
Angelita Borgheresi
sarta
Paola De Luca
ufficio stampa
Sergio Marra
foto di scena
Monica Biancardi
 
una produzione Teatri Uniti a cura di Angelo Curti in collaborazione con E.A.R. Teatro di Messina

Di ritorno dalla Grecia, dove ha portato a termine una tournée trionfale partecipando a numerosi concorsi per attori e citaredi, Nerone fa tappa nell’amata Napoli, in una delle sue possibili o immaginarie dimore dei Campi Flegrei, sulle sponde del lago d’Averno. Con la più sprezzante indifferenza per la politica e per il senato romano che a Roma lo attende impaziente, l’istrione dissoluto, il principe incestuoso e matricida, si esibisce in un’ode a se stesso, apoteosi della personalità e dell’autoinganno. Al centro del cosiddetto ‘Tempio di Apollo’, rudere di antiche terme romane, la corte di liberti, amici e schiavi, manovrata dal delirio di onnipotenza del divino Cesare, consuma un’ordalia di uva, funghi e coiti interrotti.
Su una zattera, di fronte al ‘Tempio’, nel lago e a pochi metri dalla riva, è Seneca. Con dura eleganza sta per porre fine ai suoi giorni. Il filosofo, indotto al suicidio dal tiranno, segue il tragitto testamentario dei suoi Dialoghi morali e delle Lettere a Lucilio. Nel darsi la morte con piccoli tagli ai polsi, alle caviglie e ai garretti, con la coscienza in pace, non gli resta che ricordare, mentre il suo corpo tramonta nel vespro, la luce delle sue parole.
Una lontana melopea, canto e profezia di Sibilla, affiora da un canneto sul vago ondeggiare dell’acqua. Sibilla, donna di natura divina e ascendenza millenaria che ingannò Apollo, su una zolla di terra alla deriva lascia un’ultima testimonianza in versi e un ultimo vaticinio per divinare il breve passo dell’umanità che dimentica troppo in fretta la lezione della storia. Il suo sguardo si posa sul teatro del mondo superando la convenzione dei secoli per ricucire in un solo unico ordine visionario passato e presente.
Il suono di una contraerea prorompe d’improvviso. Il sibilo stridente di un caccia bombardiere attraversa il cielo fino a perdersi quasi del tutto non prima di aver sganciato l’ennesimo ordigno. Ci inoltriamo seguendo un sentiero che si apre nella macchia boschiva. Un giovane ufficiale abbandonato al suo destino con un manipolo di soldati ormai cadaveri lasciati a marcire in una fossa comune. È la guerra, con tutto il suo orrore. È la guerra, che lascia solo rovine, menzogne e la rabbia e il disgusto per la più atroce delle insensatezze umane, per la più stupida e scellerata delle demenze a cui ci costringono quei tiranni la cui unica attitudine è quella di precipitare l’umanità nei suoi ultimi giorni.

Francesco Saponaro

De Ira, viaggio all’Averno
versi Igor Esposito, drammaturgia Peppino Mazzotta e Francesco Saponaro
ideazione e regia Francesco Saponaro

voce di Seneca Toni Servillo
Sibilla Licia Maglietta
Tenente Peppino Mazzotta

e con  Sean Altamura, Laura Borrelli, Annapaola Brancia D’Apricena, Valentina   Buccella, Rocco Capraro, Maria Luisa Coletta, Andrea Contaldo, Claudia Cuomo, Francesca De Nicolais, Corrado Esposito, Lisa Falzarano, Elena Fattorusso, Adriana Follieri, Rocco Giordano, Yacoubou Ibrahim, Pasquale Ioffredo, Demi Licata, Manuela Mosé, Giulia Pica, Raffaella Testa

scena Roberto Crea, Francesco Saponaro
costumi Laurianne Scimemi
luci Lucio Sabatino
suono Daghi Rondanini
assistente alla regia Raffaella Pontarelli
direzione tecnica Lello Becchimanzi

produzione Teatri Uniti e Laila

Una donna che racconta (come scrittrice o come protagonista?) due brevi storie estremamente rarefatte nella tessitura narrativa e che ci porta a radiografare le nostre follie, in cui crolla l’identità del senso, della persona e della vita, in una sorta di torpore psichico.

Sono stata affascinata perché sono racconti difficili e facili. “La malattia della morte è difficile, molto difficile. L’uomo atlantico è molto difficile, ma così bello che non è difficile. Anche se non si capisce - questi libri del resto non si possono capire - non è la parola giusta, si geme e si piange insieme”.

E sono stata affascinata da queste donne che vivono nell’oblio di sé. Tutte sono imprudenti e incaute e tutte sono causa della loro infelicità. Sono molto spaventate, hanno paura delle strade, dei posti, non si aspettano la felicità. “Non sono mai stata dove mi sarei trovata a mio agio, sono sempre rimasta indietro, alla ricerca di un luogo, di un modo per passare il tempo, non mi sono mai trovata dove avrei voluto essere. Escogitavo dei sistemi per fare tutto ciò che facevano gli altri. Ed è così che ero in ritardo dappertutto, che avvilimento. Facevo le cose a metà, per averle fatte, e non funzionava. Mi dispiace molto di essere stata così, in regola ma mai contenta. Una sola cosa so fare: guardare il mare. Sempre questo passaggio del tempo in tutta la mia vita. Nell’intera durata della mia vita”

Licia Maglietta

L’uomo atlantico
di e con Licia Maglietta
su testi di Marguerite Duras

scena e regia
Licia Maglietta

costume
Katia Manzi
luci
Pasquale Mari
suono
Daghi Rondanini
assistente regia
Marinella Anaclerio
direzione tecnica
Lello Becchimanzi
elettricista
Fabio Ianniello
macchinisti costruttori
Carlo Del Prete, Salvatore Giannini
ufficio stampa
Sergio Marra
foto di scena
Monica Biancardi

una produzione Teatri Uniti a cura di Angelo Curti
in collaborazione con Festival di Palermo sul Novecento

 
Delirio amoroso
un monologo di Licia Maglietta su testi di Alda Merini

costume Katia Esposito
luci Pasquale Mari
suono Daghi Rondanini
direzione tecnica Lello Becchimanzi
una produzione Teatri Uniti a cura di Angelo Curti

Toni Servillo

Zingari
di Raffele Viviani
scene e regia Toni Servillo

in ordine di apparizione

Tonino Taiuti ‘o figlio d’ ‘a Madonna
Toni Servillo ‘o Diavulone, capo tribù
Maurizio Bizzi ‘o Guaglione
Anna Romano Palomma
Mariella Lo Sardo ‘a Tatuata
Gino Corcione Pupella
Lucia Ragni ‘a Fattucchiara
Riccardo Zinna Guarracino
Iaia Forte Marella
Toni Laudadio il Medico

costumi
Ortensia De Francesco
interventi pittorici
Lino Fiorito
luci
Pasquale Mari
suono
Daghi Rondanini
aiuto regia
Costanza Boccardi
direzione tecnica
Lello Becchimanzi
allestimento scenico
Maria Izzo, Gigi Mattiazzi    
capo elettricista
Gigi Sabatino
ufficio stampa
Sergio Marra
Chiara Bachetti
foto di scena
Cesare Accetta, Aessandra D’Elia, Tilde De Tullio

una coproduzione Teatri Uniti CRT, Centro di Ricerca per il Teatro
a cura di Angelo Curti

Prime rappresentazioni
Napoli, 7 ottobre 1993, Galleria Toledo
Milano, 28 ottobre 1993, Teatro della 14.a

immagine di
Vincenzo Gemito Ritratto di Anna Gemito (da un disegno lacerato)
Collezione Minozzi

Toni Servillo

Il misantropo
di Molière
traduzione di Cesare Garboli

scene e regia di Toni Servillo

Alceste Roberto De Francesco
Filinto Andrea Renzi
Oronte Toni Servillo
Célimène Iaia Forte
Eliante Isabella Carloni
Arsinoè Mariella Lo Sardo
Acaste Toni Laudadio
Clitandro Enrico Ianniello
Du Bois Dini Abbrescia

luci Pasquale Mari
costumi Ortensia De Francesco
aiuto regia Marinella Anaclerio
progetto scenotecnico Daniele Spisa
direzione tecnica Angelita Borgheresi
capo elettricista Lucio Sabatino
capo macchinista Lorenzo Pazzagli
sarta Teresa Ribattezzato
organizzazione Lello Becchimanzi
ufficio stampa Sergio Marra
fotografo di scena Cesare Accetta

una produzione Teatri Uniti a cura di Angelo Curti

In questo momento involontariamente sto pensando a questo, perche sono qua, alla ribalta, accanto al tavolino e a qualche sedia, dopo le prove. Sono stanco. E’ veramente desolante un palcoscenico vuoto. Cantinelle, spezzati, fianchi di scene; una stufa, fogli di copione, vernice…ciao! a domani!…

Dietro un gruppo di cantinelle mi accorgo di un vuoto, una è caduta e ha lasciato un buco fra le altre che si muovono come se dietro di loro vi fosse qualcuno che le spingesse per farsi largo e uscirne.

Ma allora si muovono? Davvero?

Mi avvicino per guardare meglio e fra lo spazio buio delle cantinelle vedo quattro occhi che mi fissano: “Ma allora siete voi? Tutti e due insieme? Qua? Per rimproverarmi? E voi, direttore, perché siete truccato come zi’ Nicola? E il Maestro dietro di voi, come il vecchio Dio? Ma vi prego, sedete qui, accanto a me, al tavolino. Onoratemi della vostra benevolenza. Aiutatemi a staccare la realtà dalla finzione!”

Una sera del 1979 sul manifesto del Teatro San Ferdinando era annunziato un doppio spettacolo: “Il berretto a sonagli” e “Sik-Sik l’artefice magico”. Avevo poche lire in tasca e una gran voglia di sentire i lavori. Ero in compagnia di alcuni carissimi amici, giovani, tutti della mia stessa età, tutti illusi e orgogliosi di essere al centro dell’attenzione teatrale in quel momento; ma intimamente desiderosi di assistere a quegli spettacoli. Il teatro era gremito. C’erano solo alcuni posti in galleria. Facemmo una colletta ed entrammo. Fu una serata indimenticabile. La gente nei corridoi discuteva del grande attore e del grande autore, e oggi so che il grande attore è il grande autore. Ancora oggi sento nel cuore la malinconia che mi lasciò la certezza di non potervi mai conoscere personalmente.Anni dopo ho lavorato, con nuovi compagni carissimi tutti ancora della mia stessa età, sulle tracce del grande attore, ed oggi, sempre con quei coetanei, sulle tracce del grande autore.

“E ora siete qua? Vivi? Creati dalla mia immaginazione? Perche mi sorridete? Ah già, perché quest’operina che oggi metto in scena, voi sapete essere breve come la vita, e breve quindi come la vita di un attore sulla scena. No! Non e così? Che c’è? Cosa dite? Ah già, capisco! Volete dirmi che forse su questo interrogativo vi divertite da molto tempo tutti e due insieme. E vi allontanate sapendo che io ho tanto tempo per girare intorno a questa domanda, ma voi no, ve ne siete stancati. Tornate, tornate alle prove, per favore, e per carità non mancatemi alla prima rappresentazione.

Toni Servillo

(*) Riscrittura da Eduardo e il teatro di Pirandello. Il giuoco delle parti in Eduardo e il Teatro S. Ferdinando Napoli 1954.

L’uomo dal fiore in bocca
di Luigi Pirandello
regia Toni Servillo

con
Licia Maglietta
Andrea Renzi
Toni Servillo

sipario
Lino Fiorito
luci
Pasquale Mari
suono
Daghi Rondanini
costumi
Flavia Santorelli
fotografo di scena
Cesare Accetta
promozione e ufficio stampa
Prima dello Spettacolo
Il brano a divozione è di Fausto Mesolella.

una produzione Teatri Uniti a cura di Angelo Curti

Come tutti sanno il testo di Stoppard è una riscrittura moderna dell’Amleto di Shakespeare dal punto di vista dei due compagni del principe. A nostra volta noi ci siamo dati il permesso di “riscrivere” il testo di Stoppard.
Ci siamo lasciati alle spalle diverse tappe di lavoro: la prima idea di regia, con i personaggi della corte di Elsinore interpretati da attori-bambini, è ora un’opera-video realizzata all’Istituto Suor Orsola Benincasa; mentre in questa versione teatrale è Amleto-capocomico che con il fedele Orazio accoglie in una Elsinore teatrale i due malcapitati Rosencrantz e Guildenstern.
Sul destino dei due protagonisti se ne potrebbero dire molte ma è lo stesso Stoppard a ricordarci, con grande lezione di stile, che si tratta “innanzi tutto di una commedia”. Non riesco però ad esimermi da una osservazione: le giovani vite spezzate nell’Amleto hanno padri ingombranti la cui morte è decisiva per il compimento dei loro stessi destini, al contrario Rosencrantz e Guildenstern sono giovani senza padri, smarriti, confusii, spaesati ma sublimamente capaci di sorridere.

Andrea Renzi

Rosencrantz e Guildenstern sono morti
di Tom Stoppard nella versione di Francesco Piccolo
adattamento e regia di Andrea Renzi

con
Enrico Ianniello
Toni Laudadio
Andrea Renzi
Francesco Paglino
Fabio Ianniello

scena
Andrea Renzi, Alberto Guarriello
luci
Pasquale Mari
suono
Daghi Rondanini
costumi
Ortensia De Francesco
oggetti di scena
Alessandra Cutolo
aiuto regia
Francesco Paglino
direzione tecnica
Lello Becchimanzi
direzione di scena
Teresa Cibelli
capo elettricista
Lucio Sabatino
ufficio stampa
Sergio Marra
forografo di scena
Monica Biancardi

una produzione Teatri Uniti a cura di Angelo Curti